Reseña: ANATHEMA_Weather systems.

Desde que Steven Wilson (alma máter de los PORCUPINE TREE), esa deidad musical que ha revolucionado la escena progresiva británica y mundial, irrumpiera en la trayectoria de ANATHEMA como responsable de mezclas de su anterior álbum de estudio We’re here because we’re here (2010), el grupo ha conseguido elevar su talento hacia las cotas más altas de ese complejo y exigente universo que suponen géneros como el rock progresivo, el rock ambiental o incluso el post-rock a los que actualmente se encuentran adscritos. En esta ocasión, la banda ha contado con la colaboración de Christer-André Cederberg para las labores de producción de su nuevo trabajo Weather systems, sin desvincularse de esa acertada y novedosa línea musical que marcaron tanto Wilson como su afiliación al sello discográfico Kscope, especializado en dichos géneros.

El noveno disco de estudio de los británicos ha sido concebido entre su Liverpool natal, en el Norte de Gales y en Oslo durante 2011 –y parte de 2012- para salir a escena a partir del 16 de Abril con el propósito de volver a sorprender a la crítica, y como ya advirtiera la banda en sus declaraciones, con la intención de conmover profundamente al oyente, algo a lo que ya nos tienen acostumbrados si echamos la vista atrás.

De nuevo el artwork ha sido elaborado por el extraordinario ilustrador Travis Smith, quien a través de una portada inspirada visiblemente en las clásicas “floating islands” de Roger Dean, define de forma visual el contenido musical del disco y su revelador título. La climatología y sus cambios de estado se convierten en metáfora de los estados emocionales que determina la música del álbum. Melodías que simbolizan el viaje sonoro de la luz hacia la oscuridad y viceversa. Hablamos así de una obra cargada de paisajes musicales y de atmósferas o ambientes sonoros de extraordinaria belleza y melancolía.

El disco arranca como nunca había oído anteriormente en un álbum de la banda de Liverpool. Unos arpegios acelerados de guitarra acústica dan paso a uno de los temas más emotivos del disco. Es ANATHEMA 100%. Belleza y melancolía, de la que hacen una inmensa solemnidad, van cogidas de la mano en la primera parte de Untouchable. La voz de Vincent Cavanagh te transporta a un mundo de sensaciones donde parece cantar a un ser querido desaparecido: “I’ll never forsake your heart, I’ll never forget your face”. Muy emotiva. La continuación de Untouchable (muy del gusto del grupo esa fragmentación del título de sus canciones) es más pausada y relajada en lo musical, pero no exenta de sentimiento puesto que sigue cantando a ese ser querido tras su partida. Un ritmo in crescendo de piano y orquestaciones de fondo donde primero la voz de Vincent y posteriormente la voz de Lee Douglas, que entra en escena para convertirse en protagonista durante el resto del tema, nos sobrecogen y nos tienen el corazón en un puño cerrado. El resto de la banda se incorpora progresivamente a la canción para ponerle el broche de un modo enternecedor. Sin duda ese dueto que forman Vincent Cavanagh y Lee Douglas, se ha convertido en una marca de identidad del grupo, llegando a ser aún más destacado en este nuevo álbum. Un duelo de voces que desprende teatralidad y emotividad al más puro estilo de los fantásticos proyectos musicales de Arjen Lucassen (Ayreon).

The gathering of the clouds es el tema más corto del disco y probablemente el más intenso. Arranca con una tormenta para irrumpir con fuerza unos acordes de guitarra clásica donde resaltan el juego de voces melancólicas de Vincent y Lee Douglas. Aquí es donde comienzan a surgir vestigios de los ANATHEMA más oscuros. Sin dejarnos tiempo a tomar aire, Lightning song va conquistando nuestro oído con su dulzura. La voz de Lee Douglas suena melosa en esta canción, acompañando unas armonías que aumentan su intensidad hasta conseguir emocionarte. Es la magia de la música, que una canción consiga transmitirte mil y una sensaciones, y en lo que se refiere a ANATHEMA, muchos de sus temas consiguen cautivarte y seducirte. Tal vez el mejor tema del disco junto a Untouchables, culminando un arranque de disco más que sobresaliente, pudiendo consagrarse como un tema perfecto para cerrar el álbum. Un auténtico broche de oro que sin embargo nos conduce al ecuador del disco.

Sunlight arranca manso, con inusitada tranquilidad, para ir cogiendo gradualmente fuerza, a la manera del mejor post-rock (en la onda de SIGUR RÓS, EXPLOSIONS IN THE SKY,…), donde de nuevo las voces de Vincent y Lee Douglas te sobrecogen el alma. Un bello corte donde las guitarras y la batería ganan peso en la segunda mitad del tema, dotándolo de una mayor intensidad. Haciendo una clara referencia al título del álbum y a su leitmotiv, The storm before the calm te mete desde el primer segundo en tensión, como si se estuviera mascando la tragedia y vas viendo cada vez más claro el funesto final. Musicalmente estos seis minutos (de los diez que dura) de la canción esta sumergidos en ornamentos de matices electrónicos, que bien podrían ser de los mismos DEPECHE MODE, o incluso remitir al sonido de los progresivos PURE REASON REVOLUTION, creando ese ambiente misterioso y de tensión al tema. He aquí uno de los síntomas de la experimentación musical de la banda, que no dejan de introducir nuevos sonidos en sus discos. Pasados estos seis minutos, la canción toma otro rumbo, pasando de la tormenta a la calma, hasta alcanzar un sonido más sinfónico, muy característico de su sonido de antaño. La calma representada a través de un estilo más progresivo.

The beginning and the end fue otro de los adelantos que nos ofrecieron los ingleses del álbum. Sin ser una canción compleja como la anterior, también consigue cautivarte. Sencilla, sin rellenos y con un solo increíble de guitarra eléctrica. Adoptan en este trance un sonido más oscuro, más próximo al doom o al gótico que practicaban en lo finales de los noventa (Eternity, Alternative 4, Judgement). En la misma línea oscura, el siguiente tema. The lost child empieza con unos murmullos, y un pasaje musical de bella factura. Parece que estén extraídos de una banda sonora, pero no. Son obra de los ingleses, que en atmósferas se defienden a la perfección. Un piano de fondo acompaña a Vincent donde éste canta con cierta ansiedad, alcanzando un tono épico y trágico cuando grita desgarradamente “SAVE ME, SAVE ME”. Una canción melancólica con rabia contenida que evoluciona hacia un final con orquestación, épico y sinfónico.

Finaliza el disco Internal landscapes; una voz anónima nos introduce al tema, describiendo sus sentimientos a través de palabras que suenan a despedida –el disco parece girar en torno a este personaje-. Este último tema se presupone como un epitafio en el que la música se vuelve enternecedora y las voces brillan con fuerza, tanto la de Vincent como la de Lee Douglas. “I could say that I was peace, I was love, I was the brightness, it was part of my life”; tras estas melancólicas palabras finaliza una canción de belleza descomunal y un sonido ambiental y sosegado, ideal para culminar un disco magistral.

ANATHEMA son así, igual una canción te llena de esperanza, de lo maravillosa que puede llegar a ser la vida o por el contrario, inundarte en la tristeza y desesperación ante la muerte y ante este caos que es vivir. No por ello, quiero decir que lo hagan peor o mejor, simplemente en cualquiera de los casos los ingleses saben cautivarte, seducirte, conmoverte, etc. Saben transmitir mucho con su música y a la hora de la verdad, intentar plasmar esos sentimientos (musicalmente hablando) es difícil y tienen mucho mérito que lo consigan hacer. Es por eso, que este disco es uno de los discos que más ha conseguido tocarme la fibra sensible.

Cierto es que la banda ha evolucionado desde un sonido underground como el Doom o el Death Metal a un estilo más sofisticado como el Rock sinfónico-progresivo, y que últimamente parecen tender hacia melodías más accesibles y comerciales; pero no cabe duda de que han conseguido establecer un estilo muy personal, elaborado con una minuciosidad y un detallismo milimétrico a nivel de producción y de composición que rebosa calidad a raudales.

La tormenta antes de la calma, o la calma antes de la tormenta; en definitiva, dos estados musicales, dos aspectos emocionales representados a través de la música y que representan la vida misma. La luz y la oscuridad. La vida y la muerte. Esto es lo que define a una banda brillante: ANATHEMA.

Tracklist:

01 - Untouchable [Part I]

02 - Untouchable [Part II]

03 - The gathering of the clouds.

04 - Lightning song.

05 - Sunlight.

06 - The storm before the calm.

07 - The beginning and the end.

08 - The lost child.

09 - Internal landscapes.

• Web Oficial: http://www.anathema.ws
• Facebook Oficial: http://www.facebook.com/weareanathema
• MySpace Oficial: http://www.myspace.com/weareanathema

Videoclip de "Untouchables" [Part I]

ANATHEMA

NOTA: En el análisis del disco he contado con la inestimable colaboración de Ricardo Martín.

DÍA MUNDIAL DE CONCIENCIACIÓN SOBRE EL AUTISMO.

El autismo es un espectro de trastornos caracterizados por graves déficits del desarrollo, permanente y profundo. Afecta a la socialización, la comunicación, imaginación, planificación, reciprocidad emocional y conductas repetitivas o inusuales. Los síntomas, en general, son la incapacidad de interacción social, el aislamiento y las estereotipias (movimientos incontrolados de alguna extremidad, generalmente las manos). Con el tiempo, la frecuencia de estos trastornos aumenta (las actuales tasas de incidencia son de alrededor 60 casos por cada 10.000 niños). Debido a este aumento, la vigilancia y evaluación de estrategias para la identificación temprana, podría permitir un tratamiento precoz y mejorar los resultados.

Su origen obedece a una anomalía en las conexiones neuronales que es atribuible, con frecuencia, a mutaciones genéticas. Sin embargo, este componente genético no siempre está presente, ya que se ha observado que los trastornos que sufre una persona autista pueden tener un componente multifactorial; dado que se ha descrito la implicación de varios factores de riesgo que actúan juntos. 

Los genes que afectan a la maduración sináptica están implicados en el desarrollo de estos trastornos, dando lugar a teorías neurobiológicas que determinan que el origen del autismo se centra en la conectividad y en los efectos neuronales fruto de la expresión génica. Hay varios tratamientos, pero no todos ellos se han estudiado adecuadamente. Las mejoras en las estrategias para la identificación temprana de la enfermedad utilizando, tanto las características fenotípicas como los marcadores biológicos (por ejemplo, cambios, electrofisiológicas) podrán mejorar la efectividad de los tratamientos actuales.

El bebé autista puede pasar desapercibido hasta el cuarto mes de vida; a partir de ahí, la evolución lingüística queda estancada, no hay reciprocidad con el interlocutor, no aparecen las primeras conductas de comunicación intencionadas (miradas, echar los brazos, señalar...)

Los niños con autismo se pueden integrar a escuelas regulares, siempre y cuando cuenten con los apoyos que requieren para aprender y desarrollarse en la escuela. Cada niño es único con sus fortalezas, gustos y retos. Es decir que tampoco los niños con autismo son iguales entre sí, por lo que en la escuela se debe formar un equipo de trabajo junto con la familia y si es necesario especialistas externos. Este equipo se encarga de definir los objetivos para el alumno, así como la forma en que van a trabajar con él. Es muy importante tomar en cuenta las fortalezas del niño al diseñar su programa.

Reseña: HORA ZULÚ_Siempre soñé saber sobre. Nadie negó nunca nada.

HORA ZULU ya está curtido en mil batallas, y el 2012 ha sido el año elegido para su regreso a los escenarios. Su quinto disco Siempre soñé saber sobre // Nadie negó nunca nada (enreversado título donde los haya) es la excusa perfecta para tal retorno. A sus espaldas, una trayectoria ascendente con discos, a cuál mejor, desde que comenzaron su andadura allá por el 2002 con su impresionante Me duele la boca de decirlo que incluía temazos de la talla de Tango, Andaluz de nacimiento o Agua de mayo; pero ahora lo que nos toca es centrarnos en el presente de la banda, en ese flamante nuevo álbum.

El pasado día 5 de Marzo fue la fecha escogida para lanzar Siempre soñé saber sobre // Nadie negó nunca nada y este servidor, como buen seguidor de la banda granadina, marchóse directo a la tienda de disco habitual de discos. Y ahí estaba, brillante, nuevo, reluciendo en la estantería. Regresé a casa, puse el disco en la minicadena, y tras varias escuchas estas fueron las conclusiones que extraje del disco, consecuentes de su posterior análisis que detallo a continuación.

De sopetón, unos interludios musicales breves llamados A Don Enrique, a Don Carlos, a Don Rafael y a Don Emilio despiertan mi curiosidad por saber quiénes pueden ser tales personas. Escuchando la entrevista que les hicieron el pasado 3 de marzo en el programa de RNE El Vuelo del Fénix (gran programa de actualidad metalera que os recomiendo, por si lo desconocéis), se despejan todas mis dudas. Estos interludios musicales van dedicados a la memoria de diversos artistas musicales que han influenciado a la banda granadina de una forma u otra. Estamos hablando del maestro del flamenco Enrique Morente, de los coplistas Carlos Cano y Rafael del León y, por último, del cantaor Emilio el Moro. Todos ellos ya fallecidos, de ahí el sentido homenaje a su memoria.

Despejada las equis sobre esas incógnitas, ahora sí, analizo el disco. A Don Enrique es el primer tema, a modo de intro, donde unas guitarras flamencas evocan la figura del gran maestro Morente. Mis barraqueras es el aperitivo que ofrecieron los granadinos para saciar el síndrome de abstinencia que teníamos ya algunos de la banda. Musicalmente no se aleja en absoluto del sonido típico de la banda, pero ya uno de echaba de menos esas riffs cañeros de Paco Luque entremezclados con guitarras aflamencadas, esa bestial pegada a la batería de Javi Cordovilla, el preciso bajo de Alex Bedmar, y la voz única de Aitor Velázquez, con sus elaboradas letras, sus rimas y su verborrea. El siguiente tema en caer es Gabinas de cochero, donde Aitor toma la batuta del tema cantando a sus anchas acolchándose en un ritmo de guitarras repetitivo, para llegar al estribillo donde canta más grave de lo habitual. Buen tema, en la línea habitual de la banda. Podría haber formado este tema perfectamente en su anterior disco Creer querer // Querer creer. No desentona ni un ápice. Una sirena nos introduce en el cuarto tema, Que la tierra te sea leve. Sirena que da paso a uno de los temas más cañeros del disco, sin restar ningún merito al resto. Aquí las guitarras de Paco Luque cobran mayor protagonismo adquiriendo más peso y sobre todo, contundencia. Musicalmente intercala pasajes metaleros de primer nivel, con flamenco. Me recuerda este tema inevitablemente, sabiendo que las comparaciones a veces pueden resultar a las odiosas, a LOS CHUNGUITOS. Pero ello no significa que esté exento de calidad, vuelvo a resaltar que es uno de los mejores temas del disco. El quinto tema es Crom en su montaña, y aquí los HORA ZULU se nos muestran más relajados. Un tema lento, precioso, donde Aitor nos deleita con su verborrea y sus rimas. Le acompañan guitarras flamencas, notorias influencias de su tierra natal.

A Don Carlos es el segundo interludio, de los cuatro que hay a lo largo del disco, a modo de homenaje al cantautor de coplas Carlos Cano. El séptimo tema Caigan del cielo recupera la caña, fusionando las guitarras eléctricas con las flamencas. Es una gozada poder disfrutar en nuestros oídos de la voz de Aitor, que, sin grandes esfuerzos es uno de los grandes vocalistas de este país. En el ecuador del disco, encontramos Otro guión sin escribir donde el ritmo de la batería de Javi nos introduce en el tema, y se van uniendo paulatinamente guitarra eléctrica, bajo y una voz en off que da paso a Aitor. Volvemos a la senda de los temas medio-lentos made in HORA ZULU. Nuestro entonces es un tema que destaca por sus punteos de fondo a lo largo del tema, salvo el estribillo que toman un matiz un pelín más rockero, para desembocar en un solo de gran calidad que desemboca en el final del tema. Mientras tanto Aitor, cantando a sus desaires e infortunios amorosos, como si nada. A Don Rafael, es el tercer interludio y sentido homenaje al coplista Rafael del León. Unas guitarras flamencas a lo largo del minuto y medio que dura el mismo interludio dan paso al tema que da nombre al disco.

Siempre soñé saber sobre es el décimo tema del disco, con un fondo musical muy del sur. De nuevo, notorias influencias de su tierra y es que ser andaluz se lleva en la sangre. Aires del sur intercalados con la pegada de la banda que demuestra su versatilidad y facilidad de adaptación a la hora de hacer un tema lento, medio-lento o un tema cañero. En Con un gesto podemos apreciar más nítidamente la labor de Alex al bajo, luciéndose. En el resto de temas pese que no lo podamos apreciar a primeras oídas, ahí está haciendo su papel Alex. Como novedad del disco, no en su carrera discográfica, este tema presenta unos scratches, como en sus temas de antaño, dando más colorido al tema recuperando a los HORA ZULU de la vieja escuela.

Nos vamos acercando al tramo final del disco con A Don Emilio (último interludio), donde unas emotivas guitarras acústicas y flamencas resuenan con brillo y firmeza. Que me mata arranca con caña, no tan acelerada como en otros temas pero sí recupera esa fuerza de antaño de los primeros discos. Fuerza que se va calmando cuando aparecen las guitarras flamencas y el bajo hasta llegar al estribillo donde la voz de Aitor me recuerda más a la de los primeros discos con esos rapeos. Aspirante a etilita es el último tema del disco, sin contar el tema extra de la edición especial. Acordes de bajo y redobles de batería anuncian el comienzo del final del disco. Un ritmo medio-lento acompaña a la voz de Aitor, que se explaya a gusto y cómodo en este tema. Gran tema para poner el broche de oro como colofón a su quinto disco llamado Siempre soñé saber sobre // Nadie negó nunca nada.

La edición especial del disco incluye un remix del tema Luego querrán, ya incluido en su anterior disco Creer querer // Querer creer. A la voz de Aitor, se le unen la de los raperos R de Rumba y Sho-Hai, de la ya mítica banda de Hip Hop, VIOLADORES DEL VERSO. Aparte de dicho tema, la edición especial tiene un espectacular artwork donde incluyen, entre otras cosas, fotos de la banda y en su reverso, las letras de las canciones incluidas en el disco.

Como conclusión, la vuelta de HORA ZULU al mundo musical ha valido la pena tras cuatro años largos de espera. Si bien, en cuanto lo musical se refiere no han arriesgado mucho, su regreso han traído a más de uno alegrías y ganas de verlos en directo, como es el caso de este servidor que aun tiene una deuda pendiente con estos granadinos en los escenarios. Una producción impecable, así como la calidad de las canciones. Canciones que, desde que comenzaran su carrera musical en plena efervescencia nu metalera allá en el 2002 han ido deleitando nuestros oídos con esas grandes composiciones con evidentes influencias de su sangre y tierra andaluza acompañados de ese espíritu granadino; que no hacen sino de HORA ZULU, una banda única e irrepetible. Recuerda: Siempre soñé saber sobre // Nadie negó nunca nada.

Tracklist:

01 - A Don Manuel.

02 - Mis barraqueras.

03 - Gabinas de cochero.

04 - Que la tierra te sea leve (S.T.T.L.)

05 - Crom en su montaña.

06 - A Don Carlos.

07 - Caigan del cielo.

08 - Otro guión sin escribir.

09 - Nuestro entonces.

10 - A Don Rafael.

11 - Siempre soñé saber sobre.

12 - Con un gesto.

13 - A Don Emilio.

14 - Que me mata.

15 - Aspirante a estilita.

• Web Oficial: http://www.horazulu.com
• Facebook Oficial: http://www.facebook.com/horazulu
• MySpace Oficial: http://www.myspace.com/horazulu

Videoclip de "Mis Barraqueras"

Videoclip de "Que Me Mata"

HORA ZULU

Reseña: VITA IMANA_Uluh.

Uluh supone el regreso al panorama metalero de los VITA IMANA. Su disco de debut En otro lugar (lanzado hace dos años escasos) dejó a la mayoría boquiabierto por su firmeza y desgarradora propuesta. Pues bien, si aquello supuso una declaración de intenciones, con su segundo y flamante nuevo disco vienen a decirnos que lo suyo no fue la suerte del principiante, que están aquí para dejarse la piel en el escenario (donde mejor exponen su brutalidad) por muchos años más y para callar bocas críticas. Y, prueba de ello, es que están siendo los teloneros de los mismísimos HAMLET en los conciertos de la gira de la archiconocida banda madrileña. Uluh no es más que un grandísimo paso hacia adelante de este prometedor grupo. Vuelven con un sonido mucho más afilado, pulido, contundente, nítido, y sobre todo, machacón. Se nota que han hecho especial hincapié en lo que es la producción del disco, porque es escucharlo varias veces y encontrar matices que, a primera escucha no se logran apreciar. Sin más, entro a desglosar el contenido del disco.

11°19'N 142°15'E es, a modo de intro, el primer tema del disco. Como dato de interés, decir que son las coordenadas de la fosa de las Marianas, la conocida fosa marina por ser el lugar más profundo de la corteza terrestre. Sin tiempo para respirar, Animal irrumpe con fuerza en tu cabeza taladrándote y perforándote la sien con esos ritmos tribales, esa batería machacona y esas guitarras punzantes. Un comienzo brutal donde bajan una marcha en el segundo tercio del tema, para terminarlo con una fuerza y una garra descomunales. Crudo invierno arranca con suaves punteos a la guitarra eléctrica para dar paso a unos musculosos riffs que me recuerdan a los MACHINE HEAD, aunque solo al principio porque luego sacan a relucir el característico el sonido de la banda donde la percusión campa a sus anchas sin desentonar el tema. El siguiente tema en caer es Corpus, donde se aprecian las influencias de GOJIRA (gran banda de la que, desde aquí, también recomiendo su escucha). En este tema, la banda muestra pasajes más lentos pero no por ello exentos de contundencia.

Romper con todo es un presagio de lo que es el tema, con inicio muy muy currado y por qué no bello, con unas acústicas dulces. Pero esta belleza queda atropellada hasta la muerte por la brutalidad de las guitarras eléctricas, muy incisivas rompiendo todo el molde del inicio del tema. La voz desgarrada de Javier se te clava hasta en lo más fondo de los recovecos del alma, la batería de Daniel muy cañera a lo largo del tema así como la percusión tribal a cargo de Miriam. Llegamos al ecuador del disco con el instrumental 11-03-2011 (Taikos II). Dicha fecha es cuando se produjo la catástrofe del tsunami en Japón. Ritmos de percusión de a lo largo del tema, acompañados por la mitad del tema de unas acústicas dando brío y color, para finalizar con los ritmos percusivos del principio. Origen es la continuación perfecta del anterior tema, pues sirve como puente (instrumental también) a Quizás no sea nadie. Tema donde recuperan la senda brutal que trazan a lo largo del disco, un inicio bestial a cargo de las guitarras de Puppy y Román para luego echarse a las espaldas el resto de la banda tocando a toda hostia, dando lo mejor de sí mismos. Uno de los grandes temas del disco, sí señor.

Cráneo arranca como si te pisaran una y otra vez con una bota el cráneo, valga la redundancia. Machacón, poderoso, enérgico…BRUTAL!! De nuevo las guitarras de Román y Puppy lo crujen en este tema. Seguimos con Un nuevo sol, que fue el tema con el que me enganché a la banda. Es el tema escogido como single y carta de presentación del disco. Impresionante, para quitarse el puto sombrero, es lo primero que pensé a la primera escucha de este tema. Y sigo pensándolo, contiene todo los ingredientes (velocidad, mala hostia, caña, etc) que hacen que VITA IMANA sean VITA IMANA y no un clon de, una mera copia de. Añadir que, que para este temazo rodaron un brutal videoclip, os recomiendo su visionado para ver lo que es el potencial de VITA IMANA sobre las tablas, arrolladores. Cierra el disco el tema que le da nombre al disco, Uluh. Diez minutos en perfecta sincronía, con un continuo crescendo entre lo emotivo y lo intenso con un sonido del mar de fondo. Un gran broche de oro al segundo disco de la banda madrileña.

Sí, sí, señores/as, si esta banda no baja un peldaño y si siguen así, podremos estar hablando en un futuro no muy lejano, ya no de una promesa ni de una banda principiante que se quedó a mitad de camino, sino de una gran banda a tener en cuenta en España, y si se atreven en el extranjero, sería ya la hostia que esto llegase a oídos foráneos para que comprobasen que aquí también se hace metal de calidad. Si te gustan GOJIRA, SEPULTURA, ILL NIÑO, SOULFLY, te gustarán sin duda los VITA IMANA. Riffs más cercanos al Thrash, algunos guiños al Death y Groove, baterías a toda hostia, voces crudas y agresivas, todo ello bien mezclado. Eso es VITA IMANA.

Este disco es para chapar las bocas a aquellos que no dieron un clavo por ellos, y/o que rajaban de ellos. Pues “queridos” críticos aquí están estos muchachos para quedarse joda a quien joda, con un par de cojones y ovarios, dando un puñetazo en la mesa, con su segundo disco y siendo teloneros de la gira de los mismísimos HAMLET. ¿Cuántos grupos hubiesen soñado con lo mismo habiendo comenzado su carrera escasos años? Pocos, entre ellos los VITA IMANA porque a veces, los sueños se hacen realidad. Son pura dinamita, enhorabuena muchachos!!

Tracklist:

01 - 11°19'N 142°15'E (Intro)
02 - Animal.
03 - Crudo invierno.
04 - Corpus.
05 - Romper con todo.
06 - 11-03-2011 (Taikos II)
07 - Origen.
08 - Quizás no sea nadie.
09 - Cráneo.
10 - Un nuevo sol.
11 - Uluh.

• Web Oficial: http://www.vitaimana.com
• Facebook Oficial: http://www.facebook.com/vitaimana
• MySpace Oficial: http://www.myspace.com/vitaimanametal

Videoclip de "Un Nuevo Sol"

VITA IMANA

Homenaje a: CHARLES CHAPLIN.

Charles Chaplin (1889-1977) fue un actor cómico, compositor, productor, director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo.

"El Gran Dictador" (consideradada una sátira del fascismo, y en particular de Adolf Hitler y su Nacionalsocialismo) nos dejó un discurso final a la esperanza. Sobran comentarios:

Otra fabulosa cita de CHAPLIN:

"Mirada de cerca, la vida parece una tragedia; vista de lejos, parece una comedia. Nunca te olvides de sonreír, porque el día en que no sonrías será un día perdido. La vida es una obra de teatro que no permite ensayos. Por eso, canta, ríe, baila, llora y vive cada momento, antes de que baje el telón y la obra termine sin aplausos. Hay que tener fe en uno mismo. Aún cuando estaba en el orfanato o recorría las calles buscando qué comer, me consideraba el actor más grande del mundo. La vida es maravillosa...si no se le tiene miedo. Sin haber conocido la miseria, es imposible valorar el lujo. Más que maquinaria necesitamos humanidad, y más que inteligencia, amabilidad y cortesía. Fui perseguido y desterrado, pero mi único credo político siempre fue la libertad".

Charlie Chaplin